Émission Underscore #127 du 20 janvier 2019

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Chiptune: Articulate – Silver Lining

Sujet: La musique dans les films

Au début, il y avait les frères Lumière, qui ont réalisé de courtes images animées d’occurrences normales: foules, trains, gens alignés. La caméra qu’ils développèrent en 1895 captura les premières images animées.

Comment, alors, sommes-nous passés de leurs images complètement silencieuses et granuleuses à nos films remplis et entraînés par des bandes sonores à pleine puissance?

Il est intéressant de noter qu’il y a une raison psychologique pour laquelle de nombreux spécialistes du cinéma croient que la musique improvisée a été ajoutée aux films “muets”. Ils affirment que regarder les acteurs, en noir et blanc, parler avec absolument aucun son ne nous ferait sentir, à un niveau de base primaire, “INSENSIBLE”.

Le mouvement artistique de l’expressionnisme est arrivé à peu près au moment où les films muets sont devenus très populaires. En conséquence, nombre des premiers films muets sont soit des comédies (voir Charlie Chaplin), soit des expressionnistes

Quoi qu’il en soit, ces films seraient projetés sur un grand écran devant un public. Mais rester silencieux ne passerait probablement pas très bien, et ils ne pouvaient pas ajouter de musique au film lui-même, ils avaient donc joué de la musique en direct à chaque projection du film.

Que ce soit un piano droit ou un quatuor à cordes complet, il n’y aurait pas de partition écrite! C’est vrai, ils ont inventé au fur et à mesure et ont regardé le film. Lorsque le personnage de Chaplin est tombé (et que les musiciens mémoriseraient les films après plusieurs représentations par jour pendant des semaines), ils reflétaient cela avec un son similaire dans la musique.

Ils avaient parfois de la musique écrite, mais c’était généralement un point de départ pour leur improvisation. La musique écrite serait publiée dans des livres et était toujours arrachée à des compositeurs morts ou obscurs. Ensuite, il y aurait une page ou deux de “Musique de cirque” qui pourrait donner au pianiste une idée de l’endroit où commencer son improvisation dans une scène de carnaval, et cetera. C’était un type de performance fluide, et chaque projection du film serait un peu différente.

Charlie Chaplin, malheureusement, n’a pas vraiment survécu à la transition vers des films avec son, ou “le parlant”. Entendre soudainement sa voix et l’associer à toutes les images de lui qu’ils avaient vues en silence s’est avéré être un choc pour le public! (Les musiciens de maison pour les théâtres étaient sans aucun doute moins ravis de l’interrupteur, aussi.)

Ainsi, au lieu de comédies géniales, les comédies musicales ont commencé à envahir la scène à la fin des années 20. Dans les comédies musicales, bien sûr, tout semble s’arrêter quand une chanson commence pour que le personnage puisse chanter. Il est clair que les réalisateurs et les scénaristes étaient très conscients du fait qu’ils ajoutaient de la musique à leurs films et ne savaient pas comment le faire de manière plus subtile. Cela viendrait.

Le chanteur de jazz en 1927 a été le premier long métrage à inclure la parole synchronisée avec les acteurs à l’écran. Cela signifie que les premiers mots prononcés sur le film étaient les premiers mots de ce film:

Vous savez tout sur celui-ci; vous pourriez ne pas le réaliser. Après l’ère (certes brève) de la plupart des comédies musicales, la technique de scoring classique, qui est toujours l’un des moyens les plus populaires de faire entrer la musique dans les films. C’est le moyen le plus subtil et souvent le plus puissant pour la musique d’influencer un film.

En 1933, le King Kong original est sorti avec la partition originale de Max Steiner (qui signifie “musique écrite”). C’était l’un des premiers films à comporter un score complet tout au long de l’intrigue, et Steiner l’a écrit en utilisant la technique de notation classique.

Pour l’expliquer de la manière la plus simple: la technique de notation classique sonne comme un orchestre jouant à l’arrière-plan du film. Quand il y a une scène intense, la musique est intense. Quand il y a une scène heureuse, la musique semble heureuse.

À un niveau plus compliqué, le compositeur utilise des thèmes (une mélodie entière pour représenter quelque chose comme l’amour ou la guerre) et des leitmotifs (quelques notes dans un motif reconnaissable représentant un personnage ou une petite idée). Ils gardent toute la partition ensemble sans que le public ne remarque même que leurs oreilles reconnaissent les motifs répétés de la musique.

La notation classique, qui crée beaucoup de musique à l’arrière-plan du film, atténue également les coupures de scènes ou toute autre maladresse du film en poursuivant l’idée d’une scène à l’autre.

Max Steiner est l’un des auteurs de notation classique les plus prolifiques et les plus célèbres, avec 26 nominations aux Oscars (et 3 victoires). Il a marqué avec Au temps emporte le vent et Casablanca , parmi des dizaines d’autres.

Aujourd’hui, vous reconnaîtrez probablement le nom de John Williams. Il est encore plus prolifique que Steiner et a marqué la plupart des géants du cinéma, tels que La guerre des étoiles et Harry Potter . Je n’ai pas assez de temps ici pour vous dire combien de récompenses il a remportées, alors … Wikipedia vous le dira .

Le jazz, comme presque tout le reste dans les années 1930, se divisa racialement dans les films de l’époque: il y avait le “jazz noir” et le “jazz blanc”. Le jazz blanc ressemblait presque au swing et était joué sur des violons et autres instruments symphoniques. Il était généralement utilisé dans les films pour représenter le plaisir. Le jazz noir était beaucoup plus brutal et plus purement “jazz” avec trompettes et saxophones. Il représentait souvent des femmes de mauvaise réputation, au caractère immoral ou à une interruption générale de la normalité.

La musique jazz était la première fois que la culture “populaire” était entrée dans les films, et les gens l’aimaient! Hollywood l’a utilisé comme outil pour caractériser instantanément les parties du film avec le jazz, car il possède des associations très spécifiques avec certains lieux et certaines personnes.

Par exemple, dans Un tramway nommé Désir , la partition jazzy (certes symphonique) contribue à cimenter le décor de la Nouvelle-Orléans et les actions moralement discutables des personnages.

Le jazz faisait depuis longtemps partie de la culture pop, avec de nombreux clubs de jazz installés dans les quartiers branchés de la ville. C’était le premier genre de musique véritablement américain.

Malheureusement et assez maladroitement, le jazz était considéré comme une “musique afro-américaine” et devait être “assaini” avant de passer dans les films blancs. Nous voyons beaucoup moins (le cas échéant) de codage racial dans nos films aujourd’hui, évidemment, à mesure que le racisme devient moins répandu.

L’époque des westerns spaghettis (populaire dans les années 50 et 60) a entraîné un certain retour de la notation symphonique. Ils ont utilisé les mêmes idées que la technique de notation classique et des instruments d’orchestre similaires, mais ont ajouté le son “occidental” avec une guitare fantaisiste et / ou une trompette espagnole.

La musique était large, longue, allongée comme le décor. Il devait être grand pour remplir tout l’espace vide que les films montraient, alors les compositeurs ont écrit pour des orchestres complets. Cette musique a été utilisée pour intensifier les combats au canon et les poursuites à cheval et pour aider à peindre l’image du paysage à 360 degrés autour du public. La plupart des thèmes des films les plus populaires (voir Le bon la ta brute et le truand de 1967) sont constamment parodiés ou cités dans les caricatures d’aujourd’hui.

Ennio Morricone est l’un des compositeurs italiens les plus célèbres pour les westerns “spaghettis”. Il a presque toujours fait équipe avec le réalisateur Sergio Leone. Leur collaboration était sans précédent, Leone jouant la musique de Morricone pendant qu’il filmait la scène pour que les acteurs puissent l’entendre. Ces films, bien sûr, sont ceux pour lesquels Clint Eastwood est devenu si célèbre.
Le bon, la brute et le truand – Pendant la scène de duel

Les westerns cèdent la place aux films de science-fiction et de suspense, dont la musique est inquiétante. Les partitions ont été influencées par l’avant-garde et la musique à douze tons d’Arnold Schoenberg.

Cette musique accentue les émotions négatives en utilisant des notes qui ne sonnent pas très bien ensemble. Les compositeurs demandent que les instruments soient utilisés de manière nouvelle et peu orthodoxe (“techniques étendues”), comme taper sur le dos d’une guitare comme un tambour, au lieu de jouer des cordes. De cette façon, le public serait incapable d’identifier les sons, ce qui accentuera encore l’inconfort.

Des films célèbres avec cette technique incluent Psycho (1960), La planète des singes (1968) et Apocalypse Now (1979).

En 1977, John Williams a relancé la technique de notation classique avec son score infâme de Star Wars . Il a fait revivre l’héritage de compositeurs comme Max Steiner en créant des partitions complètes avec des thèmes et des leitmotifs reconnaissables. “Le thème de Luke” reste l’un des plus familiers de l’histoire du cinéma.

Danny Elfman (célèbre maintenant pour avoir écrit le thème des Simpsons ) est apparu peu de temps après et a marqué Batman de Tim Burton dans le style classique.

Bien que les origines de cette musique classique soient allemandes dans les années 1880, nos oreilles le reconnaissent maintenant comme une musique de fond générique. Pour cette raison, on l’appelle “l’idiome par défaut”; Même si nous entendons parler pendant que Batman zoome sur Gotham, personne ne demande: “Pourquoi cette musique classique allemande est-elle jouée?” Il a été rendu intemporel par les musiques de films.

Bien sûr, les comédies musicales ne sont jamais parties, mais elles sont devenues beaucoup moins populaires qu’à l’époque de, par exemple, Gene Kelly. Le périodique musical est sorti et est devenu populaire – La mélodie du bonheur (1965), Cabaret (1972), Rocky Horror Picture Show (1975) – et, sans aucun doute, c’est ainsi que l’héritage des comédies musicales se poursuivra.

Plus récemment, nous avons apprécié la version cinématographique de la comédie musicale Chicago (2002) et la version originale (bien que basée sur une musique achevée antérieurement, ce qui en fait également une “partition”) et le très populaire Moulin Rouge! (2001). Je suis prêt à parier que les comédies musicales continueront à sortir quelques années plus tard, mais ne seront plus jamais aussi accrocheuses.

À peu près au moment où nous avons intégré la première musique pop au cinéma , Les réalisateurs ont commencé à se rendre compte qu’ils pouvaient annoncer et vendre la chanson thème de leur film sur un marché tout à fait distinct: l’industrie de la musique. Ce sont les origines de “bandes sonores”, qui sont libérés séparément du film et ne contiennent que la musique du film.

Dans la plupart des cas, les bandes sonores proviennent généralement de films contenant des “partitions”, ce qui signifie que la musique qu’ils entendent n’est ni classique ni thématique identique. Au lieu de cela, la partition est composée de nombreuses chansons, dont certaines peuvent être écrites pour le film et d’autres non.

Le lauréat (1967) est un film incroyablement célèbre avec une partition, avec des chansons populaires de Simon & Garfunkel telles que “Scarborough Fair”, “Mrs. Robinson” et “Sound of Silence”.

Le but de la partition est de générer près de deux fois plus de revenus: ils peuvent vendre et commercialiser le film, dans l’espoir que tout se passe bien, et vendre et commercialiser les chansons / l’album, en espérant qu’ils obtiennent également de bons résultats. Parfois, une chanson popularise un film, et parfois un film, une chanson, mais dans les deux cas, Hollywood gagne deux fois plus gros.

Nul doute que nous allons continuer à entendre les partitions (ainsi que la technique de notation classique pour les films épiques et plus classiques) dans les films pendant un certain temps.

Chiptune: Little love song by fabounio

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